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Auteur/autrice : mouvadmin

  • Le mois spécial Incognito

    Le mois spécial Incognito

    Le succès durable d’Incognito est l’une des grandes histoires de la musique britannique au cours des quatre dernières décennies. Regardez l’histoire récente des artistes soul britanniques et vous trouverez un certain nombre d’actes éphémères qui ont connu un succès pop. Réduisez-le à ceux qui ont créé un son britannique unique et qui ont perduré en tant que phénomène mondial à leurs propres conditions, et la liste devient courte.

    Le groupe de jazz britannique Incognito a été formé à Londres en 1979 par le guitariste, compositeur et producteur de disques John-Paul « Bluey » Maunick qui est le leader du groupe. Bien que son premier enregistrement ait été un disque instrumental d’acide-jazz , les versions suivantes ont présenté une pléthore de chanteurs masculins et féminins dans un décor à parts égales de funk et de R&B, influencé par le jazz, la musique brésilienne et d’autres genres à forte teneur en groove.

    Les critiques ont qualifié la musique d’ élégante et d’âme , avec des guitares groovantes et de gros cors, avec un mélange fougueux de soul rétro, de cuivres, de funk et de jazz. Aujourd’hui, avec pas moins d’une demi-douzaine de chanteurs en studio et sur scène, les voix sont peut-être le point central d’Incognito, mais l’ensemble est plus grand que la somme de ses nombreuses parties talentueuses.

    Incognito est rapidement devenu l’un des groupes les plus populaires du Royaume Uni, menant au top 10 des succès et des collaborations avec des artistes comme Stevie Wonder, George Benson, Chaka Khan, etc. Les rangs du groupe comptent certains des meilleurs instrumentistes et talents vocaux de jazz et de soul du Royaume-Uni et du monde.

    Pour célébrer le 40e anniversaire de 8CD, rétrospective de 106 titres du premier album d’Incognito , Jazz Funk , les pionniers du Brit funk, ont sorti un clip vidéo pour « You Are In My System ».

    Le visuel ludique et riche en effets trouve un danseur se déplaçant dans une maison, présentant un certain nombre de mouvements chorégraphiés, tandis que Bluey et son groupe accompagnent l’interprète.

    Le coffret de CD, intitulé Always There 1981-2021 : 40 Years & Still Groovin’ , est présenté dans une boîte rigide avec des pochettes intérieures individuelles et un livret de 52 pages avec des notes écrites par Charles Waring et des photos des archives du groupe.

    Sortis le 19 novembre, les CD 1 à 5 ont été organisés par le fondateur et moteur du groupe, Bluey, avec les CD 2 et 4 contenant des morceaux inédits. Le CD six est un rare album live exclusivement japonais enregistré en 1996, tandis que les CD sept et huit ont été compilés par Gilles Peterson, un partisan de longue date du groupe, qui a sorti sept de leurs albums via son propre label Talkin’ Loud.

    Écoutez la compilation Incognito couvrant toute la carrière Always There: 1981-2021 (40 ans et toujours groovin’) ici

    Le livret de 52 pages contient un essai de 10 000 mots écrit par Charles Waring sur la base d’une récente interview de Bluey. Dans les notes détaillées de la pochette, Charles retrace le parcours d’Incognito depuis l’enfance de Bluey jusqu’à ses premiers succès dans le cadre de la scène Brit-funk des années 1980. Il retrace également la réémergence et la renommée mondiale du groupe pendant les années Talkin ‘Loud sous l’aile de Gilles Peterson; des rencontres avec des légendes telles que Stevie Wonder et Chaka Khan ; et les récents succès d’Incognito sur des labels indépendants tels que Dome et Edel. Les notes sont entrecoupées de photos des différentes incarnations du groupe issues des archives personnelles de Bluey.

    Inspiré par de grands groupes américains comme Earth, Wind & Fire, Incognito a mélangé du funk cuivré, de la soul et de la musique latine dans un breuvage enivrant et est monté juste au moment où la première vague de Britfunk perdait de son élan, atteignant les charts britanniques en 1981 avec leur premier single  » Parisienne Girl » tiré de leur premier LP, Jazz Funk . Peu de temps après, le groupe est entré dans une longue hibernation mais est revenu en force dans les années 1990 sur le label Talkin’ Loud de DJ Gilles Peterson, sortant une succession de singles et d’albums exceptionnels qui les ont établis comme les porte-drapeaux de la scène acid jazz britannique. La musique du groupe a également bien marché dans les clubs, grâce à des remixeurs comme Masters At Work et David Morales, qui ont réussi à traduire les arrangements de big band du groupe en grooves de piste de danse addictifs.









  • Residente dépeint toute l’Amérique dans « This is Not America »

    Residente dépeint toute l’Amérique dans « This is Not America »

    Le rappeur portoricain populaire René Pérez, mieux connu sous le nom de Residente, a récemment sorti « This is Not America », un morceau qui met en lumière les luttes de l’Amérique latine pour la paix et la justice. En incorporant des images symboliques audacieuses de la répression étatique, du racisme et de l’exploitation, la vidéo a déjà recueilli plus de 9 millions de vues sur Youtube et plus encore.

    Tout au long de la chanson, Residente extériorise une exaspération familière que de nombreux Latino-Américains ressentent lorsque le mot « Amérique » est utilisé pour définir les États-Unis et non le continent allant de l’Argentine au Canada. Dans une interview avec la BBC , Residente a déclaré : « Du point de vue américain, tout ce qui se passe dans la vidéo n’est pas l’Amérique. »

    Des éléments du titre, des paroles et de la vidéo font directement référence à  » This is America » ​​de Childish Gambino, qui avait vivement dénoncé le racisme contre les Noirs aux États-Unis en 2018.

    Accompagné d’Ibeyi, un duo musical cubain afro-français, Residente dénonce à grands coups de tambour une liste de maux qui sévissent sur le continent, tels que la colonisation et l’extraction des ressources naturelles, les violences policières, les assassinats de journalistes et les migrations forcées.

    Avant tout, la chanson est un hommage à la résistance indigène, étudiante, paysanne et afrodescendante à la répression étatique et à l’extraction des ressources. Par exemple, Residente fait référence à la dépendance économique de l’Amérique latine vis-à-vis de la production de sucre – qui entraîne « des meurtres, des pertes de terres, des déplacements, le refus du consentement libre, préalable et éclairé », selon les rapports sur les droits de l’homme – en déclarant que les travailleurs paysans  peuvent se rebeller.

  • Les manuscrits retrouvés de Tombouctou mis à l’honneur par Fatoumata Diawara

    Les manuscrits retrouvés de Tombouctou mis à l’honneur par Fatoumata Diawara

    Dans son nouveau projet « Maliba » et en collaboration avec Google Arts & Culture, Fatoumata Diawara vous parle du Mali, des ses trésors, et de la préservation des manuscrits de Tombouctu. Ce fut, pour elle, un grand plaisir de consacrer du temps à l’écriture des chansons sur les trésors du Mali. Vous pouvez visiter virtuellement les manuscrits de Tombouctou sur « Google Arts & Culture ».


    La Malienne Fatoumata Diawara (tout le monde l’appelle Fatou) est née en 1982. Dès l’enfance, elle danse dans la troupe de son père ; elle rencontre un grand succès en exécutant l’extravagante danse didadi de Wassoulou, le pays de ses ancêtres au Mali occidental. De caractère très indépendant, à son adolescence elle refuse d’aller à l’école et ses parents décident de l’envoyer – c’est une tradition africaine – vivre chez une de ses tantes à Bamako. Elle ne reverra pas son père et sa mère pendant près de dix ans.

    Quelque temps après son arrivée, Fatou se retrouve sur un plateau de cinéma, à s’occuper du bébé de sa tante qui est actrice. Séduit par sa beauté, le metteur en scène lui confie une réplique dans le Pouvoir des femmes. Cela conduit Cheikh Omar Sissoko à lui confier l’un des rôles principaux de son film La genèse en 1999. Elle joue aux côtés du comédien Sotigui Kouyaté qui devient une référence dans sa carrière.

    À dix-huit ans, Fatou part à Paris pour jouer au théâtre dans Antigone de Sophocle mis en scène par Kouyaté. Après avoir tourné avec la troupe, elle retourne au Mali en 2001 pour le tournage de Sia, film dans lequel elle tient le rôle titre et qui raconte l’histoire d’une figure féminine légendaire d’Afrique occidentale. Il obtient un succès phénoménal dans de nombreux pays ; pour beaucoup de Maliens, de Guinéens, de Sénégalais et de Burkinabés, Fatou EST Sia. Mais malgré les  propositions de rôles qui affluent, sa famille souhaite qu’elle se fixe et se marie… Fatou est alors contrainte d’annoncer en direct à la télévision qu’elle abandonne sa carrière d’actrice.

    En 2002, le directeur de la compagnie Royal de Luxe vient à Bamako lui offrir un rôle dans son nouveau spectacle. Mais au Mali une femme célibataire n’a pas plus de droits qu’un mineur, et la permission de partir lui est refusée par sa famille. Après avoir réfléchi, Fatou décide de s’enfuir et parvient à embarquer dans un avion, évitant de justesse la police qui est lancée à ses trousses par sa famille pour “kidnapping”.

    Avec Royal de Luxe Fatou joue dans le monde entier. Pendant les répétitions et les moments de calme, elle s’amuse à chantonner en coulisses ; en l’entendant, le directeur la fait bientôt chanter pendant les spectacles. Encouragée par l’accueil du public, elle commence entre les tournées à se produire dans des clubs parisiens. C’est là qu’elle rencontre le musicien et producteur malien Cheikh Tidiane Seck qui la fait revenir au Mali pour faire les chœurs sur les albums qu’il réalise pour Oumou Sangaré (Seya) et Dee Dee Bridgewater (Red Earth). Fatou participe aussi aux tournées.

    À son retour en France, poussée par Rokia Traoré qui l’encourage aussi à jouer de la guitare, Fatou joue le rôle de Karaba dans la comédie musicale Kirikou et Karaba. Elle raconte en souriant : Une fille malienne avec une guitare acoustique, c’était une chose à la fois merveilleuse et audacieuse. Pourquoi la guitare serait-elle réservée aux hommes ? Fatou apprend donc la six cordes en autodidacte et commence à écrire des chansons. C’est là qu’elle comprend que la musique est sa vraie passion et qu’elle décide de s’y consacrer pleinement. Elle enregistre des maquettes sur lesquelles elle chante et joue tous les instruments. Oumou Sangaré la présente au label World Circuit, l’enregistrement de son premier album peut commencer… Son album Fatou est sorti en octobre 2011.

  • Le mois spécial Nina Simone

    Le mois spécial Nina Simone

    Pianiste émérite qui a commencé par jouer du Bach  et chanteuse à la voix incroyable, l’icône du jazz n’a trouvé un sens à sa vie qu’en se battant pour le mouvement des droits civiques. 

    Le bombardement d’une église noire de Birmingham en 1963 a marqué un tournant dans la carrière de Simone. Elle a écrit « Mississippi Goddam » en signe de protestation, ce qui l’a transformée en une rare voix féminine noire parlant au nom du mouvement des droits civiques. (« Nous voulions tous le dire, et elle l’a dit », dit le comédien Dick Gregory.) Mais juste au moment où ces militants ont commencé à embrasser Simone, les stations de radio ont exprimé leur désapprobation – non seulement en interdisant la diffusion de « Mississippi Goddam », car il a été dit avant, mais en renvoyant les disques cassés en deux.

    Mais Eunice Kathleen Waymon (de son vrai nom), née en 1933 à Tryon, en Caroline du Nord, n’avait pas attendu d’être célèbre pour combattre l’injustice. À l’âge de 12 ans, elle a refusé de jouer du piano à la bibliothèque locale lors de son premier récital public. Pourquoi? Ses parents avaient reçu l’ordre de se tenir au fond de la salle pour ne pas déranger les blancs. Elle a refusé de jouer jusqu’à ce qu’ils soient assis au premier rang. Un acte de bravoure dans les États du sud de l’Amérique à une époque où ceux qui soutenaient la révolution le faisaient avec violence. Nina Simone rencontrera ensuite Malcolm X et Martin Luther King et en 1958 elle sortira ce qui deviendra l’hymne du mouvement « black power »

    Tout au long de sa carrière, la diva a fait ce qu’elle voulait, se fâcher avec les hommes, avec le fisc, l’État et les maisons de disques. Connue pour ses états d’âme, elle s’est brouillée avec beaucoup de monde dans les années 1970, la poussant à quitter les USA pour la Barbade. Elle a également quitté son manager/mari (un ex-flic) qui la battait. Victime de violences conjugales, elle a été une mère absente et instable pour sa fille, Lisa, militaire dans l’US Air Force avant de devenir chanteuse. Nina Simone a reçu un diagnostic de trouble bipolaire dans les années 1980 et a commencé à prendre du Trilafon, un puissant tranquillisant pour l’aider à gérer ses hauts et ses bas. Son comportement changeait d’une minute à l’autre, des objets étaient lancés et sa colère était à peine maîtrisée. Son tempérament de montagnes russes terrorisait ses proches et le public qu’elle regardait fixement avant de livrer des concerts passionnés.

    En 1995, Nina Simone a été poursuivie  pour avoir blessé un garçon de 15 ans avec un fusil de chasse parce qu’il était trop bruyant. Le garçon passait la journée dans la villa des parents d’un ami, à Bouc-Bel-Air, entre Aix et Marseille, située à côté de celle de l’artiste. La justice a été indulgente avec la pianiste en raison de sa santé mentale. Nina Simone est décédée le 21 avril 2003 à l’âge de 70 ans dans le sud de la France dans la maison qu’elle adorait et où elle avait enfin trouvé un semblant de paix. Ses cendres furent dispersées, comme elle le souhaitait, dans plusieurs pays africains.

    https://youtu.be/oHRNrgDIJfo





  • Tkay Maidza : artiste alternative

    Tkay Maidza : artiste alternative

     

    Essayez de définir les chansons de l’artiste australo-zimbabwéen de 24 ans Tkay Maidza par un seul genre et vous risquez de ne pas trouver les mots. Mais encore une fois, elle aussi, nous disant que sa musique est simplement « une alternative à tout ».

    « C’est de la pop alternative, du rap alternatif, du R&B alternatif »

    La rappeuse zimbabwéenne Tkay Maidza a toujours été en avance sur son temps. Ambitieuse, confiante et armée d’une vision d’un avenir fluide, elle représente une nouvelle vague d’artistes défiant la définition du hip hop australien.

    Chanteuse, parolier et directrice créatif australienne de 24 ans, né au Zimbabwe, a fait son entrée sur la scène musicale australienne avec deux succès dance-pop précoces : Brontosaurus et Handle My Ego en 2013 (tous deux avec le producteur électronique Bad Cop). « Au début de ma carrière, j’essayais simplement de trouver les bonnes personnes », dit-elle.

    Adolescente, elle s’est passionnée pour la musique dans le cadre du programme de développement des artistes Northern Sound System d’Adélaïde. Les ateliers communautaires l’ont présentée à d’autres jeunes qui s’intéressaient à l’écriture et au rap. Tkay a également rencontré des producteurs qui l’ont aidée à enregistrer et à mixer ses premières pistes vocales, et des mentors qui ont façonné une compréhension précoce de la façon de faire ses premiers pas dans l’industrie.

    2018 a marqué un changement dans son évolution personnelle. Tkay a commencé à s’entourer d’une équipe avant-gardiste qui a compris ce qu’elle essayait de faire. Ils l’ont aidée à sortir de la bulle de l’industrie musicale australienne. Le morceau assuré de Maidza, Flexin’, avec le rappeur basé à Los Angeles Duckwrth

    Au-delà de la musique, Tkay est un tweeter prolifique . Elle décrit Twitter comme une plate-forme où elle peut être parmi les siens. Il n’est pas rare non plus que les fans avouent leur amour éternel pour sa musique.

     

    https://youtu.be/k2qPBf-CbBg













  • Les HEADIES Awards 2022 auront lieu aux États-Unis

    Les HEADIES Awards 2022 auront lieu aux États-Unis

    C’est la première fois que le Headies Award, anciennement connu sous le nom de Hip Hop World Awards, se tiendra pour la première fois en dehors du Nigeria depuis sa création en 2006. C’est la plus grande et la plus prestigieuse cérémonie de récompenses musicales du Nigeria depuis plus d’une décennie, étend sa portée au-delà du Nigeria pour la 15e édition, car il ajoute de nouvelles catégories de prix pour honorer les artistes musicaux de toute l’Afrique.

    Les organisateurs des Headies Awards ont révélé que la 15e édition des prix se tiendrait le 2 juillet 2022 à Atlanta, aux États-Unis.Le thème du prix « Join the Movement » se déroulera au Cobbs Energy Performing Arts Centre d’Atlanta avec notamment l’introduction de nouvelles catégories : les gestionnaires de talents et l’Africa Award, la grande vitrine de la mode africaine, – ainsi que la conférence et le festival de musique Headies.

    Les catégories du prix comprennent : Headies Hall of Fame, Hip Hop World Revelation of the Year, Viewer’s Choice, Album of the Year, African Artiste Recognition, Special Recognition Award, Music Executive of the Year, Song of the Year, Rookie of the year.

    Les autres catégories sont : Artiste de l’année, Enregistrement de l’année, Meilleur artiste de street hop, Meilleure chanson alternative, Parolier sur la liste, Producteur de l’année, Meilleur album de rap et Meilleur album de R&B.Sont également inclus dans les catégories : Meilleur album alternatif, Meilleur single Afrobeat/Pop, Meilleur album Afrobeat/Pop, Auteur-compositeur de l’année, Meilleure performance vocale (homme), Meilleure performance vocale (femme), Meilleur clip vidéo et Meilleur single R&B .

    Plusieurs stars de la musique ont remporté les Headies, dont Davido, Wizkid et 2Baba.Le prix récompense les réalisations exceptionnelles de l’industrie musicale nigériane.

     

  • Le mois Sting

    Le mois Sting

    Sting est l’un des musiciens les plus titrés de l’histoire, remportant 17 Grammys et cinq Britanniques et déplaçant plus de 100 millions d’albums – à la fois en tant qu’artiste solo et en tant que membre de The Police.

    Loin de la musique, Sting est apparu dans une douzaine de films, dont A Guide to Recognizing Your Saints, et a joué à Broadway. Il a même écrit une pièce basée sur sa construction navale dans le nord de l’Angleterre – d’où il est originaire.

    Son habitude de porter un pull rayé jaune et noir, rappelant une guêpe, lui a valu le surnom de Sting . Il n’a depuis utilisé son nom légal que pour des affaires officielles. 

    The Police a combiné sans effort des éléments de post-punk et de reggae et est devenu le super groupe de l’ère New Wave avec des tubes comme « Message in a Bottle » et « So Lonely ».

    Il y avait toujours de la tension depuis le début entre le batteur Stewart Copeland, le guitariste Andy Summers et Sting.

    En 1986, au plus fort de leur succès, The Police a annoncé une pause créative, qui a finalement conduit à une rupture.

    Après cela, les trois n’ont joué que sporadiquement ensemble, jusqu’à ce qu’ils décident finalement d’arrêter en 2008.

    Il doit entreprendre une tournée mondiale plus tard cette année, suivie d’une résidence à Las Vegas au célèbre Caesar’s Palace.












    Sting avait déjà commencé sa carrière solo en 1985 avec l’album The Dream of the Blue Turtles . Cela a marqué le début d’une success story durable.

    En tant qu’artiste solo, Sting a su surprendre encore et encore.

    De la synth pop aux ballades d’amour, de la musique du monde aux chansons baroques en passant par les chansons rock – Sting a maîtrisé le spectre complet, pas seulement de la musique occidentale. Il s’est constamment formé musicalement, collaborant avec des musiciens de jazz, des rappeurs et des experts de la musique ancienne.

    Malgré un ralentissement ces dernières années, il est aujourd’hui de retour avec The Bridge , son premier album studio depuis 2016. Son objectif est de jeter des ponts autour du globe ravagé par la pandémie via une tournée mondiale entre 2021 et 2022 pour promouvoir cet album.

    https://youtu.be/H-4yodHCvu0?list=RDEMRxjMvSN0u29GWwn8KxUzWAhttps://youtu.be/NlwIDxCjL-8?list=RDEMRxjMvSN0u29GWwn8KxUzWAhttps://youtu.be/d27gTrPPAyk?list=RDEMRxjMvSN0u29GWwn8KxUzWA

  • Musique & Cinéma

    Musique & Cinéma

    Dans le cadre du CinéMartinique Festival qui aura lieu du 4 au 12 février 2022, deux grands artistes musiciens seront présents . Jeff Baillard avec son concept Duo Electrippycal lors du gala d’ouverture le 4 février, et le compositeur David Sztanke mardi 8 autour d’une table ronde organisée en son honneur à 18h.


    Rencontre avec David Sztanke.
    MARDI 8 FÉVRIER 18H
    SALLE CASE À VENT

    David Sztanke aka Tahiti Boy apprend d’abord les percussions classiques avant de se mettre au piano à l’âge de 11 ans puis au saxophone alto peu après. A 20 ans, il part vivre à New York pour intégrer la Juilliard School en tant que saxophoniste baryton. Le piano reste néanmoins son instrument de prédilection.
    En 2006 il crée le groupe Tahiti Boy and the Palmtree Family et collabore en parallèle avec de nombreux artistes (Emilie Simon, Iggy Pop, Saul Williams, Oxmo Puccino) en tant que compositeur, producteur, arrangeur ou instrumentiste. A l’occasion de l’album We are The Lilies, il réunit Sérgio Dias de Os Mutantes, Jane Birkin et Iggy Pop.
    2009 marque le début de ses collaborations pour le cinéma : Mikhaël Hers lui demande de composer la bande originale de son premier long métrage Memory Lane. Par la suite il collaborera avec de nombreux réalisateurs : Quentin Dupieux lui confie la bande originale de Wrong, puis Au Poste. Il compose pour Christophe Honoré, Eric Judor ou encore Ina Mihalache. Il s’associe également avec Sébastien Tellier pour la série A girl is a gun, dont il a en plus réalisé l’album.
    Il écrit actuellement la musique d’une comédie musicale, ainsi que celle de la prochaine série de Jérôme Bonnell.
    Son travail est parfois décrit comme influencé par Michel Legrand ou encore Ennio Morricone. Plus d’infos ici

  • Un retour en douceur avec le nouveau single « Party Sickness » de Hope Tala

    Un retour en douceur avec le nouveau single « Party Sickness » de Hope Tala

    L’artiste londonien mélange des éléments R&B de gauche avec un instant pop, le tout enveloppé dans une production électronique immaculée.
    Le nouveau single ‘Party Sickness’ ouvre une nouvelle ère pour elle, qui jouera au Village Underground de Londres le 9 mars. 

    Out now, ‘Party Sickness’ est un retour habile, avec l’honnêteté vivifiante de Hope Tala assortie à cette voix sublime.

     « Le concept de « Party Sickness » consiste à s’amuser et à être un peu désordonné », explique Hope Tala. « Une grande partie de mon inspiration pour la chanson était un mème d’astrologie qui catégorisait les différents éléments dans leurs rôles comportementaux lors des fêtes; il disait que les signes d’eau étaient les meilleurs acteurs principaux dans un drame (je suis un Scorpion.) Je voulais qu’il être un hymne pour les gens qui se considèrent comme la vie et l’âme du parti. »








    Joy Crookes a grandi dans une famille où personne ne jouait d’instrument, mais son père, passionné de vinyl, jouait des disques en permanence sur sa platine. Elle se nourrit aussi de clips sur MTV (Massive Attack, Metronomy…) et de musiques de différentes communautés de son quartier (jamaïcaine, colombienne), et aussi celles de ses parents (bengali et irlandaise)

  • Le mois Peter Gabriel

    Le mois Peter Gabriel

    Des rebondissements lyriques décalés, des sons innovants et un profond engagement envers la culture africaine ont accompagné la carrière de cet explorateur musical.

    Quand les gens pensent à la musique de Peter Gabriel, ils visualisent souvent le clip de « Sledgehammer » ou la scène de Say Anything lorsque John Cusack joue « In Your Eyes » sur un boom box. Ces deux chansons comptent parmi les plus grands succès commerciaux de Gabriel, mais les véritables joyaux se trouvent plus profondément dans son catalogue.

    Peter Gabriel a écrit sa première chanson « Sammy the Slug » à l’âge de douze ans. Son père était ingénieur électricien, sa mère musicienne. Il a grandi dans une ferme à Coxhill, en Angleterre, et a fréquenté une école conservatrice pour garçons à l’extérieur de Londres. Là, il a rencontré les futurs compagnons du groupe Tony Banks, Chris Stewart et Mike Rutherford.








    À 17 ans, Gabriel a vu Otis Redding se produire au Ram Jam Club de Brixton. L’expérience lui a donné envie de devenir musicien. Son premier groupe s’appelait The Anon, rebaptisé plus tard The Garden Wall. Il voulait appeler le groupe Gabriel’s Angels mais ils ont opté pour le nom Genesis.

    La musique était complexe et expérimentale avec des influences classiques, plusieurs guitares à douze cordes et des paroles bizarres. Gabriel était le leader et sa timidité inhérente posait problème. « Les autres n’avaient aucune compréhension du stress que cela m’a mis », a-t-il déclaré. « C’est moi qui ai dû le vendre lors de concerts… le public n’était pas le moins du monde intéressé par ce que nous avions à offrir. »

    Les instincts théâtraux de Gabriel ont pris le dessus. Il portait des costumes et du maquillage et rasait ses cheveux. Lors d’un défilé à Dublin, il a enfilé une robe de créateur et une tête de renard. Ses camarades de groupe méprisaient les costumes mais le public a bien réagi. Les premiers efforts d’écriture de chansons de Gabriel imitaient les Bee Gees. Il écrivait au piano tandis que ses camarades de groupe écrivaient des tapisseries à base de guitare. Cela a conduit à des frictions créatives encore exacerbées lorsque Gabriel est devenu possessif sur les paroles.

    Games Without Frontiers, le premier single de Peter Gabriel Three (alias Melt), est à égalité avec Sledgehammer comme son plus grand succès britannique ; il a atteint le n ° 4 à sa sortie en 1980. Melt est sans doute le joyau de la couronne de Gabriel et représente le début de sa «période impériale», qui se poursuivra jusqu’après la sortie de son cinquième album, So, en 1986. Cependant, il y a 36 ans, il n’était pas évident pour tout le monde que les étoiles du chanteur s’alignaient. En entendant le LP, Atlantic Records – qui le distribuait aux États-Unis – l’a accusé de « suicide commercial » et l’a lâché. C’est quelque chose que la société a regretté presque immédiatement après que Games Without Frontiers soit devenu un succès au Royaume-Uni et ait commencé à diffuser des émissions de radio aux États-Unis

    L’une des critiques souvent adressées aux chansons politiques écrites par des stars de la pop dans les années 1980 était que ces morceaux avaient tendance à être des polémiques mal ciblées ou même des envolées offensantes; qu’ils n’étaient guère plus que des caprices passagers de personnes mal informées et vaguement engagées. Biko, le morceau de clôture de Melt, n’aurait pas pu être plus précis. Les paroles d’ouverture ont servi à enraciner le sujet – le meurtre de l’activiste noir sud-africain anti-apartheid Steve Biko 

    Le plus grand succès de Gabriel, Sledgehammer, était un remaniement synthétique impétueux et impétueux du son soul de Stax et a été adopté en masse par la génération MTV, en partie à cause de sa vidéo accrocheuse. Mais Gabriel traversait une sorte de patch violet et ne manquait pas d’options en ce qui concerne les célibataires potentiels. Don’t Give Up est un autre exemple où il retravaille un son noir américain de manière moderne mais décalée. Cette fois, le style qu’il a choisi était le gospel du bol de poussière, choisi parce que les paroles de la chanson parlaient du chômage de masse des années 1980 au Royaume-Uni. Gabriel a initialement écrit la chanson en pensant à Dolly Parton, mais elle a refusé le duo. Kate Bush , qui était déjà apparue en tant que chanteuse sur Melt, est intervenue et l’un des grands duos pop du milieu des années 80 est né.

    https://youtu.be/V44bJiu4Djghttps://youtu.be/luVpsM3YAgwhttps://www.youtube.com/watch?v=OJWJE0x7T4Q