Depuis son premier album sorti en 1991, Qui sème le vent récolte le tempo, vendu à plus de 5 millions d’exemplaires et récompensé par cinq Victoires de la musique jusqu’à son huitième album Géopoétique (2017) qui marquait son retour après une dizaine d’années d’absence, MC Solaar voit son public, désormais intergénérationnel, répondre toujours présent.
Astre légendaire du rap français, toujours aussi lumineux, MC Solaar célèbre la réédition récente de ses trois premiers albums avec un concert au format orchestral qui confère un rayonnement maximal à son répertoire musical.
Ayant surgi en 1990 avec l’irrésistible « Bouge de là », tube instantané, MC Solaar – sous la casquette duquel se trouve Claude M’Barali – fait partie des grandes figures pionnières du rap hexagonal. Influencé par la chanson française et les musiques africaines autant que par le hip-hop et le jazz américains, il s’est démarqué grâce à un style extrêmement personnel, d’une élégance classieuse, en particulier au niveau des paroles. Inépuisables sources de jubilation, ses trois premiers albums – Qui sème le vent récolte le tempo (1991), Prose Combat (1994) et Paradisiaque (1997) – viennent d’être enfin réédités. À cette occasion, MC Solaar part à la rencontre du public dans une configuration inédite, en big band. Ainsi magnifiées, ses chansons resplendissent plus que jamais
MC Solaar sera le 11 septembre au Festival Foire en scène de Châlons-en-Champagne ou encore les 25 et 26 octobre à la Philharmonie de Paris.
Au début, à la fin des années 80, il était DJ Timmy Tim, un gamin nommé Timothy Mosley, de Virginia Beach, qui aimait créer des rythmes dans sa chambre. Puis, dans les années 90, il s’est rebaptisé Timbaland et a commencé le tronçon de travail qui a fait de lui, face à une concurrence considérable, le producteur le plus important de la dernière décennie. Un duo appelé les Neptunes, amis d’enfance de Mosley de Virginia Beach, a donné du fil à retordre à Timbaland au début des années 2000, mais a été plus difficile à trouver ces dernières années, lorsque Timbaland a remporté ses deux plus grands succès, celui de Nelly Furtado. Loose » et « FutureSex/LoveSounds » de Justin Timberlake.
Dre a eu plusieurs succès importants depuis 2000 – « In Da Club » de 50 Cent, étrangement sévère mais addictif, est en tête de liste – mais depuis 1996, lorsque Mosley est apparu dans les charts avec une jeune chanteuse nommée Aaliyah, le son de la pop la musique a dérivé vers Timbaland. Lorsque vous entendez un rythme joué par un instrument que vous ne pouvez pas identifier mais que vous aimeriez posséder, lorsque vous entendez une chanson qui refuse de se décider sur son genre mais vous oblige à bouger, ou lorsque vous entendez des bruits que vous pensé ne pouvait pas trouver une place confortable dans une chanson pop, vous entendez Timbaland, ou l’école de celui-ci.
Timbaland a commencé par changer le rythme de R. & B. Ce qui avait balancé auparavant a commencé à bégayer et à syncoper d’une manière à la fois ancienne et complètement nouvelle. Écoutez le charleston dans une chanson comme « One in a Million » d’Aaliyah : les motifs s’arrêtent et reviennent doublés et triplés, plus proches des claquettes que de tout chronométrage ennuyeux.
Quand, en 1997, Mosley a produit une chanson intitulée « The Rain (Supa Dupa Fly) », pour sa vieille amie Missy Elliott, ce fut le début d’une des collaborations les plus fructueuses de mémoire récente. (Malheureusement, beaucoup des derniers singles d’Elliott n’ont pas été produits par Timbaland.) Des singles comme « Get Ur Freak On » et « Work It » ne semblaient fonctionner selon aucune des règles. Là où d’autres producteurs commençaient à s’appuyer fortement sur les sons de synthétiseur vintage, Timbaland a ajouté des tambours tabla. Lorsque d’autres producteurs ont commencé à copier ses charlestons bavards, Timbaland a réduit ses battements à presque rien, comme pour prouver qu’il pouvait faire un tube de piste de danse avec la boîte à rythmes la moins chère qu’il pouvait trouver. Alors que ses pairs cherchaient encore de vieux disques de soul à échantillonner, Timbaland a échantillonné « Jóga » de Björk pour un remix d’Elliott.
Après presque deux décennies de publication de la liste des « 500 plus grandes chansons de tous les temps », le magazine « Rolling Stone » a mis à jour le célèbre classement. Sur les 500 nouvelles chansons sélectionnées, il n’y a qu’une seule brésilienne : « Ponta de lance African (Umbabarauma) », sortie en 1976 par Jorge Ben Jor (qui à l’époque n’était que Jorge Ben).
Pour faire la nouvelle sélection, la publication américaine a convoqué plus de 250 artistes, musiciens et producteurs, ainsi que des critiques et journalistes de l’industrie musicale.
« Chacun a soumis une liste avec un classement de ses 50 chansons préférées de tous les temps, et nous avons compilé les résultats », indique la publication.
La chanson de Ben Jor apparaît à la 351ème place. La chanson est le premier morceau de l’album « África Brasil » (1976), le magazine classe le chanteur comme « un artiste polyvalent qui a combiné sans effort la bossa nova et la samba avec le rock et le funk ».
Connu sous le nom de « Cool Ruler » pour sa voix remarquablement douce et passionnée, Gregory Isaacs était l’un des chanteurs les plus populaires de la musique reggae dans les années 1970 et 80. Il est resté actif en tant qu’artiste d’enregistrement, interprète en direct et producteur dans les décennies qui ont suivi.
Gregory Anthony Isaacs est né dans la région de Fletcher’s Land à Kingston, en Jamaïque, en 1951. Byron Lee l’a repéré dans une émission de talents et lui a fait enregistrer un duo avec Winston Sinclair en 1968. La chanson, intitulée « Another heartbreak », n’allait nulle part. Isaacs a ensuite rejoint les Concords, un trio vocal. Mais ni leurs singles ni les chansons solo de Gregory après 1970 n’ont retenu l’attention du public jamaïcain.
La montée en puissance ne décourage pas Gregory Isaacs : en 1973, il monte son magasin de disques et son label en collaboration avec Errol Dunkley, un jeune chanteur aux tubes. Le label s’appelait African Museum, et l’une de ses premières sorties était « My only lover » autoproduit par Isaac. C’était un coup immédiat.
Entre 1973 et 1976, Gregory Isaacs a publié plus de matériel que la plupart des artistes ne le font dans une vie. Au fur et à mesure que ses compétences en écriture de chansons mûrissaient, Isaacs s’est concentré sur la lutte contre l’injustice sociale et a fait pousser des dreadlocks en signe de son engagement envers la foi Rastafari. Au studio Black Ark de Lee Perry , il a gravé l’hymne Mr Cop et l’hypercritique Black Against Black, qui dénonçait la violence des ghettos.
Le surnom de « règle cool » a parfaitement capturé les vibrations musicales du chanteur – nonchalant et décontracté, mais définitivement responsable. Isaacs était doué pour interpréter l’amoureux de la sérénade à travers Lovers Rock, un genre qu’il a pratiquement inventé. Mais il est aussi devenu un chanteur roots exceptionnel avec les thèmes « conscients » du Roots Reggae . Il ne s’est cependant pas arrêté là. Alors que les deejays reggae ont commencé à apparaître à la fin des années 1970, Gregory Isaacs s’est associé à Trinity et à d’autres grille-pain de pointe pour plus de succès.
En 1977, le disque « Mr. Isaacs » est sorti sur le label DEB de Dennis Brown . Gregory a reçu un coup de pouce significatif dans sa carrière en 1978 lorsqu’il a signé avec le label Frontline (Virgin Records) pour l’album ‘Cool Ruler’ et a fait une apparition dans le long métrage ‘Rockers’. Un an plus tard, l’album « Soon Forward » comprenait une chanson titre populaire produite par Sly & Robbie , donnant au nouveau label Taxi du duo son premier succès.
Isaacs a signé avec Island Records après son succès phénoménal au premier Reggae Sunsplash. Cela a abouti à la sortie internationale de Night Nurse (1982) avec les Roots Radics et Out Deh! (1983) enregistré avec les producteurs Errol Brown et Flabba Holt. Gregory Isaacs a passé quelque temps dans une prison jamaïcaine suite à une arrestation pour drogue entre ces albums.
En 1984, le producteur Prince Jammy a associé Gregory Isaacs à Dennis Brown pour Two Bad Superstars Meet : il s’est avéré si populaire qu’un deuxième set, Judge Not, est apparu l’année suivante. En 1987, Isaacs a collaboré avec le deejay reggae Sugar Minott pour l’album Double Dose et s’est trouvé un héros de dancehall. À cette époque, il enregistre également un album pour King Tubby , « Warning ».
Les longs métrages d’Isaac ont commencé à décliner au milieu des années 80, mais son label African Museum a continué à publier toute la musique et les artistes de Gregory Isaacs qu’il a produits. Isaacs a également continué à enregistrer et à se produire en direct dans les années 2000. Malheureusement, sa consommation de drogue à long terme et son implication dans des activités criminelles ont conduit à de multiples arrestations, accélérant son déclin physique.
En 1992, Roger Steffens écrivait : « Gregory Isaacs, le Cool Ruler, est le mauvais garçon de la musique reggae. Arrêté 49 fois par son propre décompte, constamment aux prises avec la drogue, objet d’innombrables rumeurs, Isaacs est toujours très respecté et profondément aimé par ses compatriotes et ses fans du monde entier .
On estime que Gregory Isaacs a sorti plus de 500 disques au cours de sa carrière, qui comprend des singles et des compilations.
Isaacs est décédé d’un cancer du poumon en 2010 à son domicile de Londres, à l’âge de 59 ans. En 2016, le gouvernement jamaïcain a décerné à titre posthume à Gregory Isaacs l’Ordre de distinction (classe d’officier) pour reconnaître sa contribution à la musique du pays.
Le succès durable d’Incognito est l’une des grandes histoires de la musique britannique au cours des quatre dernières décennies. Regardez l’histoire récente des artistes soul britanniques et vous trouverez un certain nombre d’actes éphémères qui ont connu un succès pop. Réduisez-le à ceux qui ont créé un son britannique unique et qui ont perduré en tant que phénomène mondial à leurs propres conditions, et la liste devient courte.
Le groupe de jazz britannique Incognito a été formé à Londres en 1979 par le guitariste, compositeur et producteur de disques John-Paul « Bluey » Maunick qui est le leader du groupe. Bien que son premier enregistrement ait été un disque instrumental d’acide-jazz , les versions suivantes ont présenté une pléthore de chanteurs masculins et féminins dans un décor à parts égales de funk et de R&B, influencé par le jazz, la musique brésilienne et d’autres genres à forte teneur en groove.
Les critiques ont qualifié la musique d’ élégante et d’âme , avec des guitares groovantes et de gros cors, avec un mélange fougueux de soul rétro, de cuivres, de funk et de jazz. Aujourd’hui, avec pas moins d’une demi-douzaine de chanteurs en studio et sur scène, les voix sont peut-être le point central d’Incognito, mais l’ensemble est plus grand que la somme de ses nombreuses parties talentueuses.
Incognito est rapidement devenu l’un des groupes les plus populaires du Royaume Uni, menant au top 10 des succès et des collaborations avec des artistes comme Stevie Wonder, George Benson, Chaka Khan, etc. Les rangs du groupe comptent certains des meilleurs instrumentistes et talents vocaux de jazz et de soul du Royaume-Uni et du monde.
Pour célébrer le 40e anniversaire de 8CD, rétrospective de 106 titres du premier album d’Incognito , Jazz Funk , les pionniers du Brit funk, ont sorti un clip vidéo pour « You Are In My System ».
Le visuel ludique et riche en effets trouve un danseur se déplaçant dans une maison, présentant un certain nombre de mouvements chorégraphiés, tandis que Bluey et son groupe accompagnent l’interprète.
Le coffret de CD, intitulé Always There 1981-2021 : 40 Years & Still Groovin’ , est présenté dans une boîte rigide avec des pochettes intérieures individuelles et un livret de 52 pages avec des notes écrites par Charles Waring et des photos des archives du groupe.
Sortis le 19 novembre, les CD 1 à 5 ont été organisés par le fondateur et moteur du groupe, Bluey, avec les CD 2 et 4 contenant des morceaux inédits. Le CD six est un rare album live exclusivement japonais enregistré en 1996, tandis que les CD sept et huit ont été compilés par Gilles Peterson, un partisan de longue date du groupe, qui a sorti sept de leurs albums via son propre label Talkin’ Loud.
Écoutez la compilation Incognito couvrant toute la carrière Always There: 1981-2021 (40 ans et toujours groovin’) ici
Le livret de 52 pages contient un essai de 10 000 mots écrit par Charles Waring sur la base d’une récente interview de Bluey. Dans les notes détaillées de la pochette, Charles retrace le parcours d’Incognito depuis l’enfance de Bluey jusqu’à ses premiers succès dans le cadre de la scène Brit-funk des années 1980. Il retrace également la réémergence et la renommée mondiale du groupe pendant les années Talkin ‘Loud sous l’aile de Gilles Peterson; des rencontres avec des légendes telles que Stevie Wonder et Chaka Khan ; et les récents succès d’Incognito sur des labels indépendants tels que Dome et Edel. Les notes sont entrecoupées de photos des différentes incarnations du groupe issues des archives personnelles de Bluey.
Inspiré par de grands groupes américains comme Earth, Wind & Fire, Incognito a mélangé du funk cuivré, de la soul et de la musique latine dans un breuvage enivrant et est monté juste au moment où la première vague de Britfunk perdait de son élan, atteignant les charts britanniques en 1981 avec leur premier single » Parisienne Girl » tiré de leur premier LP, Jazz Funk . Peu de temps après, le groupe est entré dans une longue hibernation mais est revenu en force dans les années 1990 sur le label Talkin’ Loud de DJ Gilles Peterson, sortant une succession de singles et d’albums exceptionnels qui les ont établis comme les porte-drapeaux de la scène acid jazz britannique. La musique du groupe a également bien marché dans les clubs, grâce à des remixeurs comme Masters At Work et David Morales, qui ont réussi à traduire les arrangements de big band du groupe en grooves de piste de danse addictifs.
Pianiste émérite qui a commencé par jouer du Bach et chanteuse à la voix incroyable, l’icône du jazz n’a trouvé un sens à sa vie qu’en se battant pour le mouvement des droits civiques.
Le bombardement d’une église noire de Birmingham en 1963 a marqué un tournant dans la carrière de Simone. Elle a écrit « Mississippi Goddam » en signe de protestation, ce qui l’a transformée en une rare voix féminine noire parlant au nom du mouvement des droits civiques. (« Nous voulions tous le dire, et elle l’a dit », dit le comédien Dick Gregory.) Mais juste au moment où ces militants ont commencé à embrasser Simone, les stations de radio ont exprimé leur désapprobation – non seulement en interdisant la diffusion de « Mississippi Goddam », car il a été dit avant, mais en renvoyant les disques cassés en deux.
Mais Eunice Kathleen Waymon (de son vrai nom), née en 1933 à Tryon, en Caroline du Nord, n’avait pas attendu d’être célèbre pour combattre l’injustice. À l’âge de 12 ans, elle a refusé de jouer du piano à la bibliothèque locale lors de son premier récital public. Pourquoi? Ses parents avaient reçu l’ordre de se tenir au fond de la salle pour ne pas déranger les blancs. Elle a refusé de jouer jusqu’à ce qu’ils soient assis au premier rang. Un acte de bravoure dans les États du sud de l’Amérique à une époque où ceux qui soutenaient la révolution le faisaient avec violence. Nina Simone rencontrera ensuite Malcolm X et Martin Luther King et en 1958 elle sortira ce qui deviendra l’hymne du mouvement « black power »
Tout au long de sa carrière, la diva a fait ce qu’elle voulait, se fâcher avec les hommes, avec le fisc, l’État et les maisons de disques. Connue pour ses états d’âme, elle s’est brouillée avec beaucoup de monde dans les années 1970, la poussant à quitter les USA pour la Barbade. Elle a également quitté son manager/mari (un ex-flic) qui la battait. Victime de violences conjugales, elle a été une mère absente et instable pour sa fille, Lisa, militaire dans l’US Air Force avant de devenir chanteuse. Nina Simone a reçu un diagnostic de trouble bipolaire dans les années 1980 et a commencé à prendre du Trilafon, un puissant tranquillisant pour l’aider à gérer ses hauts et ses bas. Son comportement changeait d’une minute à l’autre, des objets étaient lancés et sa colère était à peine maîtrisée. Son tempérament de montagnes russes terrorisait ses proches et le public qu’elle regardait fixement avant de livrer des concerts passionnés.
En 1995, Nina Simone a été poursuivie pour avoir blessé un garçon de 15 ans avec un fusil de chasse parce qu’il était trop bruyant. Le garçon passait la journée dans la villa des parents d’un ami, à Bouc-Bel-Air, entre Aix et Marseille, située à côté de celle de l’artiste. La justice a été indulgente avec la pianiste en raison de sa santé mentale. Nina Simone est décédée le 21 avril 2003 à l’âge de 70 ans dans le sud de la France dans la maison qu’elle adorait et où elle avait enfin trouvé un semblant de paix. Ses cendres furent dispersées, comme elle le souhaitait, dans plusieurs pays africains.
Sting est l’un des musiciens les plus titrés de l’histoire, remportant 17 Grammys et cinq Britanniques et déplaçant plus de 100 millions d’albums – à la fois en tant qu’artiste solo et en tant que membre de The Police.
Loin de la musique, Sting est apparu dans une douzaine de films, dont A Guide to Recognizing Your Saints, et a joué à Broadway. Il a même écrit une pièce basée sur sa construction navale dans le nord de l’Angleterre – d’où il est originaire.
Son habitude de porter un pull rayé jaune et noir, rappelant une guêpe, lui a valu le surnom de Sting . Il n’a depuis utilisé son nom légal que pour des affaires officielles.
The Police a combiné sans effort des éléments de post-punk et de reggae et est devenu le super groupe de l’ère New Wave avec des tubes comme « Message in a Bottle » et « So Lonely ».
Il y avait toujours de la tension depuis le début entre le batteur Stewart Copeland, le guitariste Andy Summers et Sting.
En 1986, au plus fort de leur succès, The Police a annoncé une pause créative, qui a finalement conduit à une rupture.
Après cela, les trois n’ont joué que sporadiquement ensemble, jusqu’à ce qu’ils décident finalement d’arrêter en 2008.
Il doit entreprendre une tournée mondiale plus tard cette année, suivie d’une résidence à Las Vegas au célèbre Caesar’s Palace.
Sting avait déjà commencé sa carrière solo en 1985 avec l’album The Dream of the Blue Turtles . Cela a marqué le début d’une success story durable.
En tant qu’artiste solo, Sting a su surprendre encore et encore.
De la synth pop aux ballades d’amour, de la musique du monde aux chansons baroques en passant par les chansons rock – Sting a maîtrisé le spectre complet, pas seulement de la musique occidentale. Il s’est constamment formé musicalement, collaborant avec des musiciens de jazz, des rappeurs et des experts de la musique ancienne.
Malgré un ralentissement ces dernières années, il est aujourd’hui de retour avec The Bridge , son premier album studio depuis 2016. Son objectif est de jeter des ponts autour du globe ravagé par la pandémie via une tournée mondiale entre 2021 et 2022 pour promouvoir cet album.
Des rebondissements lyriques décalés, des sons innovants et un profond engagement envers la culture africaine ont accompagné la carrière de cet explorateur musical.
Quand les gens pensent à la musique de Peter Gabriel, ils visualisent souvent le clip de « Sledgehammer » ou la scène de Say Anything lorsque John Cusack joue « In Your Eyes » sur un boom box. Ces deux chansons comptent parmi les plus grands succès commerciaux de Gabriel, mais les véritables joyaux se trouvent plus profondément dans son catalogue.
Peter Gabriel a écrit sa première chanson « Sammy the Slug » à l’âge de douze ans. Son père était ingénieur électricien, sa mère musicienne. Il a grandi dans une ferme à Coxhill, en Angleterre, et a fréquenté une école conservatrice pour garçons à l’extérieur de Londres. Là, il a rencontré les futurs compagnons du groupe Tony Banks, Chris Stewart et Mike Rutherford.
À 17 ans, Gabriel a vu Otis Redding se produire au Ram Jam Club de Brixton. L’expérience lui a donné envie de devenir musicien. Son premier groupe s’appelait The Anon, rebaptisé plus tard The Garden Wall. Il voulait appeler le groupe Gabriel’s Angels mais ils ont opté pour le nom Genesis.
La musique était complexe et expérimentale avec des influences classiques, plusieurs guitares à douze cordes et des paroles bizarres. Gabriel était le leader et sa timidité inhérente posait problème. « Les autres n’avaient aucune compréhension du stress que cela m’a mis », a-t-il déclaré. « C’est moi qui ai dû le vendre lors de concerts… le public n’était pas le moins du monde intéressé par ce que nous avions à offrir. »
Les instincts théâtraux de Gabriel ont pris le dessus. Il portait des costumes et du maquillage et rasait ses cheveux. Lors d’un défilé à Dublin, il a enfilé une robe de créateur et une tête de renard. Ses camarades de groupe méprisaient les costumes mais le public a bien réagi. Les premiers efforts d’écriture de chansons de Gabriel imitaient les Bee Gees. Il écrivait au piano tandis que ses camarades de groupe écrivaient des tapisseries à base de guitare. Cela a conduit à des frictions créatives encore exacerbées lorsque Gabriel est devenu possessif sur les paroles.
Games Without Frontiers, le premier single de Peter Gabriel Three (alias Melt), est à égalité avec Sledgehammer comme son plus grand succès britannique ; il a atteint le n ° 4 à sa sortie en 1980. Melt est sans doute le joyau de la couronne de Gabriel et représente le début de sa «période impériale», qui se poursuivra jusqu’après la sortie de son cinquième album, So, en 1986. Cependant, il y a 36 ans, il n’était pas évident pour tout le monde que les étoiles du chanteur s’alignaient. En entendant le LP, Atlantic Records – qui le distribuait aux États-Unis – l’a accusé de « suicide commercial » et l’a lâché. C’est quelque chose que la société a regretté presque immédiatement après que Games Without Frontiers soit devenu un succès au Royaume-Uni et ait commencé à diffuser des émissions de radio aux États-Unis
L’une des critiques souvent adressées aux chansons politiques écrites par des stars de la pop dans les années 1980 était que ces morceaux avaient tendance à être des polémiques mal ciblées ou même des envolées offensantes; qu’ils n’étaient guère plus que des caprices passagers de personnes mal informées et vaguement engagées. Biko, le morceau de clôture de Melt, n’aurait pas pu être plus précis. Les paroles d’ouverture ont servi à enraciner le sujet – le meurtre de l’activiste noir sud-africain anti-apartheid Steve Biko
Le plus grand succès de Gabriel, Sledgehammer, était un remaniement synthétique impétueux et impétueux du son soul de Stax et a été adopté en masse par la génération MTV, en partie à cause de sa vidéo accrocheuse. Mais Gabriel traversait une sorte de patch violet et ne manquait pas d’options en ce qui concerne les célibataires potentiels. Don’t Give Up est un autre exemple où il retravaille un son noir américain de manière moderne mais décalée. Cette fois, le style qu’il a choisi était le gospel du bol de poussière, choisi parce que les paroles de la chanson parlaient du chômage de masse des années 1980 au Royaume-Uni. Gabriel a initialement écrit la chanson en pensant à Dolly Parton, mais elle a refusé le duo. Kate Bush , qui était déjà apparue en tant que chanteuse sur Melt, est intervenue et l’un des grands duos pop du milieu des années 80 est né.
La multi-talentueuse Jill Scott n’a guère besoin d’être présentée. En tant qu’acteur, chanteur, auteur-compositeur, mannequin et producteur, Scott a honoré l’industrie du divertissement pendant plus de deux décennies avec son énergie émouvante. Née à Philadelphie, elle avai pou vocation de devenir enseignante avant de quitter l’université en troisième année. Elle s’est fait un nom en tant que poète et a attiré l’attention de Questlove (Amhir Thompson) de The Roots. Cela a conduit à son premier crédit de co-écriture en 1999, sur la chanson « You Got Me », qui a été interprétée par The Roots avec Erykah Badu et Eve. L’année suivante, Scott a lancé son premier album, Who Is Jill Scott ? Words and Sounds Vol. 1. En plus de se présenter comme chanteuse R&B-soul sur une scène mondiale pour la première fois, le projet a été nominé pour le meilleur album R&B aux Grammy Awards 2001.
Depuis lors, Jill Scott a réalisé une douzaine de projets, dont des albums studio, des albums live, des albums de compilation et même un album de remix. Et tandis que sa musique ait été à son apogée, son talent d’actrice a été cimenté dans son rôle de Mma Ramotswe dans la série BBC/HBO The No. 1 Ladies’ Detective Agency en 2008. Cela est venu après ses débuts au cinéma. dans Why Did I Get Married de Hounddog et Tyler Perry ? Depuis 2019, elle a joué le rôle de Hazelle Rachelle dans la série BET+ First Wives Club , dont la deuxième saison a débuté le 15 juillet.
Jill Scott est aussi une véritable marque multimédia à travers les livres, les vêtements, la télévision et le cinéma. Écrivaine accomplie dans l’âme, elle a écrit « The Moments, The Minutes, The Hours », une compilation de poèmes qui est instantanément devenu un best-seller du New York Times. Scott a également développé une ligne de lingerie pour Ashley Stewart et a fondé Blues Babe, une fondation qui a collecté plus de centaines de milliers de dollars pour soutenir les étudiants issus de minorités poursuivant des études universitaires. Son compte Instagram compte à lui seul 2,8 millions plus de followers.
Le père du funk, le parrain de la soul, Mr Dynamite, soul brother numéro un : au cours d’une carrière qui s’étend sur cinq décennies, James Brown a certainement été à la hauteur de son nom.
Peut-être pourrait-on défendre à titre posthume le comportement de Brown sur la base de faits biographiques. Il est entré dans ce monde dans une cabane en tôle d’une pièce, à l’extérieur de Barnwell, en Caroline du Sud, le 3 mai 1933. Il est né en mauvaise santé : il a failli mourir en couches et a dû être réanimé. Il était afro-américain/cherokee dans une société profondément raciste et toujours ségréguée. Sa mère est partie quand il avait quatre ans. Enfant, il cueillait du coton, coupait de la canne à sucre et cirait des chaussures. À l’âge de 10 ans, il a emménagé avec sa tante dans une pension de famille bordel et tripot, où il a été régulièrement battu par son père et d’autres. À l’âge de 11 ans, il a été contraint à la petite délinquance : vol à l’étalage et vol d’enjoliveurs et de batteries de voiture pour acheter de la nourriture et des vêtements.
Pendant son enfance, Brown était également occupé à apprendre à jouer de l’orgue, de la basse, de la guitare, du saxophone, de la trompette et de la batterie. L’une des accusations portées contre lui par ceux qui n’ont vraisemblablement jamais regardé au-delà de Living in America et Sex Machine est que Brown n’était guère plus qu’un chef de groupe d’intimidation qui hurlait un charabia enfantin sur des grooves simplistes joués par d’autres musiciens plus talentueux. Mais la vérité est qu’il pouvait jouer de plus d’instruments que la plupart. À 15 ans, le musicien en herbe a été surpris par effraction dans une voiture et condamné à huit à 16 ans au Georgia Juvenile Training Institute. Brown semble avoir prospéré pendant son incarcération, malgré des conditions difficiles. Il a fondé un quatuor de gospel, et il a rencontré Bobby Byrd, dont le parrainage de la famille l’a aidé à obtenir une libération conditionnelle après seulement trois ans. Byrd deviendra le bras droit de Brown pendant la majeure partie de sa vie d’adulte.
Please, Please, Please était le premier single de James Brown and the Famous Flames, sorti en 1956 par Federal. Et là, d’emblée, est cette voix : torride, stridente, inondée d’une émotion puissante. La chanson est crue et spéciale, et elle est devenue un hit dormant – mais que les Famous Flames auraient du mal à suivre – atteignant finalement la 6e place du classement Billboard R&B. Il y a un cas à faire pour que ce premier single soit la chanson signature de Brown. Il a clôturé la grande majorité des spectacles en direct avec, jusqu’à l’année de sa mort, généralement combiné à sa routine de cape flamboyante et électrisante.
Brown a été impliqué dans la production d’un record historique en 1963, le Live at the Apollo qui a changé la donne. Ce LP phénoménal a été le fer de lance d’un changement dans la perception des musiciens noirs n’étant que des célibataires plutôt que des artistes d’album. Pourtant, il faudra encore deux ans avant que le musicien ne commence à tenir sa promesse initiale en ce qui concerne le palmarès Billboard. À partir de 1965, il a lancé une série de succès, dont It’s a Man’s Man’s Man’s World, I Got You (I Feel Good) et le puissant Papa’s Got a Brand New Bag. Avec ce morceau, dépouillé et minimal, avec un breakbeat qui pourrait faire tomber un rhinocéros. , Brown créait maintenant un son avant-gardiste qui lui était propre.
Marre que l’œuvre d’un demi-siècle de Brown soit réduite à ce seul morceau, les passionnés de funk peuvent souvent faire preuve d’un mépris instinctif envers cette chanson. Sex Machine peut donner l’impression qu’il n’est jamais sorti de certaines stations de radio et il a été présenté dans d’innombrables émissions de télévision et films, simplement parce qu’il est devenu un raccourci universellement compris pour « funk ». Mais il y a une sacrée bonne raison à cela : c’est un classique glacial. On pourrait vous pardonner de penser que le groupe d’accompagnement de Brown était ensemble depuis une décennie, telle est la tension qu’ils affichent, mais rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité. Ce fut l’un des premiers morceaux enregistrés par son nouveau crew, les JBs, avec l’adolescent Bootsy Collins à la basse et son frère aîné Catfish à la guitare. Brown lui-même joue du piano lick dans le style inimitable avec lequel il attaque tous les instruments, et se révèle à nouveau être un véritable artiste dans le sens où son travail était en constante évolution. La chanson a commencé sa vie comme un vampire improvisé sur scène qui s’est finalement solidifié enAbandonnez-le ou tournez-le en vrac . Brown n’a cependant pas pu se reposer sur ses lauriers. Il n’arrêterait jamais de retravailler du matériel jusqu’à ce qu’il devienne souvent quelque chose de tout nouveau. Découvrez la prochaine étape de l’évolution de Sex Machine : le complètement fou furieux Get Up, Get Into It, Get Involved et écoutez les coups de corne perforants et les exhortations vocales à la force du death metal pour un exemple d’évolution musicale constante en action.
Il serait faux de prétendre que la carrière de Brown s’est terminée après le milieu des années 70, car il a connu plusieurs poussées de popularité au cours des années suivantes. Les nouvelles générations seraient initiées à la puissance de sa musique par le sampledelia, le hip-hop et le funk revival du milieu des années 90. Et c’est avant d’arriver à Rocky IV et The Blues Brothers. Cependant, Get Up Offa That Thing est vraiment la star de Brown qui devient enfin une supernova. En termes créatifs, c’est une dernière expulsion massive d’énergie. Il n’avait pas marqué de coup sûr depuis un an et était clairement sur la pente descendante, quelque chose qui jouait dans son esprit. Dans son autobiographie de 1986, The Godfather of Soul, Brown décrit l’angoisse qu’il a ressentie un jour lorsqu’il a regardé depuis la scène pour voir tout son public s’asseoir malgré le spectacle typiquement très énergique que lui et son groupe montaient : « J’ai regardé tous ces gens assis là, et parce que je était déprimé, ils avaient l’air déprimé. J’ai crié : ‘Lève-toi de ce truc et danse jusqu’à ce que tu te sentes mieux !’ Je voulais probablement dire jusqu’à ce que je me sente mieux. Et quelle riposte cet incident a inspiré. Get Up Offa That Thing est sorti 20 ans après son premier single et il combine disco et funk en un ensemble glorieux et explosif. Il reste de l’herbe à chat dancefloor à ce jour.
