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Aucun homme ou femme brésilien n’a été aussi proche du sommet du hit-parade mondial que Sérgio Mendes.

Le pianiste de 79 ans a quitté Niterói (RJ) pour la quatrième place du hot 100 du magazine américain « Billboard ». Ils ont été deux fois dans le top 4 : en 1983, avec « Never Gonna Let You Go » ; et 1968, avec « Le regard de l’amour ».

Antônio Carlos Jobim a peut-être inventé la bossa nova. Mais autant que n’importe qui, Sérgio Mendes l’a popularisé, l’a marqué, l’a pris dans le courant dominant. Signé par Herb Alpert chez A&M Records au milieu des années 60, Mendes et son groupe Brasil ’66 ont placé hit après hit dans le Billboard Top 10 : « Mas Que Nada », « Fool on the Hill », « The Look of Love ». ” Habitué de la télévision nationale, Mendes est devenu le visage du crossover bossa nova, marquant plus de succès dans les années 80 – et collaborant même avec will.i.am des Black Eyed Peas sur une sortie bossa-hip-hop, Timeless, en 2006 . . 

Né à Niterói, de l’autre côté de la baie de Guanabara depuis Rio de Janeiro, Mendes – qui se produit du 29 novembre au 29 décembre. 1 à SFJAZZ — a commencé des études de piano classique à l’âge de sept ans. Quand il avait 12 ans, un ami lui a remis une copie de Time Out de Dave Brubeck, et sa vie a changé. Adolescent fanatique de jazz, il a commencé à jouer autour de Rio à la fin des années 50, traînant avec Jobim, Hermeto Pascoal, Moacir Santos et d’autres ancêtres de la révolution musicale brésilienne. 

Toujours synthétiseur, il a fondé un groupe appelé Sexteto Bossa Rio qui s’inspire d’Art Blakey et des Jazz Messengers, tout en fusionnant le jazz avec la bossa nova et la samba. Au fil des décennies, Mendes – qui a déménagé aux États-Unis en 1964 – a collaboré avec une foule d’artistes : Cannonball Adderley et Dizzy Gillespie, Fred Astaire et Frank Sinatra, will.i.am et Erykah Badu. Il a composé les paroles en portugais de « Bird of Beauty » de Stevie Wonder (sur la première finale de Wonder’s Fulfillingness). Il a enrôlé Common, le rappeur, en tant qu’invité sur son prochain album, qui doit sortir au début de l’année prochaine. Il fait également l’objet d’un nouveau documentaire, In the Key of Joy , réalisé par John Scheinfeld, dont les précédents films ont dressé le portrait de John Coltrane ( Chasing Trane , de 2016), John Lennon, Sinatra et Bette Midler, entre autres.

Malgré tout son succès, Mendes, 78 ans, est un homme accessible : Appelez-le, et il décroche le téléphone chez lui à Los Angeles, heureux de raconter des histoires sur le Rio de la fin des années 50, ainsi que ses derniers projets.

https://www.youtube.com/watch?v=uoblz9g13NA

A Tribe Called Quest était l’un des groupes de hip-hop les plus influents et les plus réussis des années 1990, sortant cinq albums au cours de cette décennie, chacun étant devenu or ou platine. Ils avaient une série de singles à succès tels que « Can I Kick It? » et « Award Tour » qui définissent désormais l’ère des chefs hip-hop du monde entier. Ils ont été reconnus pour leurs paroles intelligentes, leurs rythmes novateurs et leur utilisation créative d’échantillonnage musical. Leur musique a souvent été caractérisée par un mélange de jazz, de funk et de soul, ainsi que par des paroles engagées et introspectives.

Bien qu’il semblait qu’ils ne pouvaient pas faire de mal, la tribu a mis fin à ses activités en 1998, annonçant que leur cinquième album, The Love Movement, serait le dernier album du groupe. Comme pour de nombreux groupes qui disent à leurs fans qu’ils se dissolvent pour de bon, la rupture s’est avérée être une simple pause. La fin du groupe surviendrait en fait près de deux décennies plus tard, avec la mort tragique du rappeur Phife Dawg, âgé de seulement 45 ans, le 22 mars 2016. À l’époque, la tribu travaillait sur son premier album ensemble en 18 ans. Ils ont terminé  We Got It from Here …

Pendant des années, il y avait un consensus marmonné sur le fait que A Tribe Called Quest, avec ses paroles socialement conscientes et son échantillonnage avare, était du hip-hop pour les Blancs diplômés d’université qui avaient peur d’Ice Cube. C’est une idée réductrice et improductive, bien sûr, mais c’est probablement un peu vrai, bien que le groupe ait également inspiré de nombreux jeunes artistes noirs. (« Tip est un peu comme notre père à tous, comme moi, Kanye, Pharrell », a récemment déclaré au Times André 3000, la moitié du duo OutKast basé à Atlanta . )

 Les deux chansons de rap les mieux classées en 1990, l’année où A Tribe Called Quest a sorti ses débuts, étaient « Ice Ice Baby » de Vanilla Ice et « U Can’t Touch This » de MC Hammer. À Los Angeles et à Miami, des groupes comme NWA et 2 Live Crew enregistraient des disques astucieux et provocateurs – plaidant avec véhémence pour le rap en tant que réinvention de la musique folk, vecteur de malaise populiste, de méfiance et d’insurrection – mais pour la plupart des auditeurs américains occasionnels le hip-hop était un genre nouveau. Soit vous avez construit une chanson pop intelligente, hyper-verbale et klaxonnante autour d’un crochet familier, soit vous avez bouillonné. 

A Tribe Called Quest a suggéré un chemin différent. L’approche plus douce et plus cérébrale du groupe emprunte clairement à la spiritualité et aux rythmes du jazz et, avec De La Soul, Queen Latifah, Monie Love et Jungle Brothers, Tribe est devenu le noyau d’un collectif new-yorkais connu sous le nom de Native. Langues. Le mouvement était profondément afrocentrique, préoccupé par des échantillons obscurs provenant de vinyles rares et résistant à la violence et à la misogynie comme thèmes lyriques.

Harry Belafonte a été surnommé le « Roi de Calypso » après le succès révolutionnaire de son tube de 1956, « The Banana Boat Song (Day-O) », extrait de Calypso, le premier disque de Belafonte, devient le premier dans l’histoire à se vendre à plus d’un million d’exemplaires. Il est également devenu une star de cinéma après avoir joué dans l’adaptation cinématographique de la comédie musicale de Broadway, « Carmen Jones ».

Harold George Belafonte Jr. est né le 1er mars 1927 à New York d’immigrants pauvres des Caraïbes. Son père, Martiniquais  a travaillé comme cuisinier sur des navires marchands et a abandonné la famille quand Belafonte était jeune. Belafonte a également passé une partie de son enfance en Jamaïque, l’ancienne colonie britannique et le pays natal de sa mère, où il a vu les autorités anglaises blanches maltraiter les Jamaïcains noirs. Il est retourné dans le quartier de Harlem à New York en 1940 pour vivre avec sa mère, Melvine, qui a lutté pour maintenir sa famille ensemble au milieu d’une pauvreté extrême.

Mais ses plus grandes contributions ont eu lieu hors scène. Il était un stratège clé, un collecteur de fonds et un médiateur pour le mouvement des droits civiques. Il a continuellement risqué sa carrière dans le divertissement – et au moins une fois sa vie – pour son activisme. Il est devenu un ami proche du révérend Martin Luther King Jr., qui se retirait souvent dans le somptueux appartement de Belafonte à New York pour parler de stratégie ou échapper aux pressions exercées par la direction du mouvement des droits civiques.

L’ampleur de l’activisme de Belafonte était étonnante. Il considérait le mouvement des droits civiques comme une lutte mondiale. Il a mené une campagne contre l’apartheid en Afrique du Sud et s’est lié d’amitié avec Nelson Mandela. Il a mobilisé le soutien à la lutte contre le VIH/sida et est devenu ambassadeur itinérant de l’UNICEF . Il a également eu l’idée d’enregistrer la chanson à succès de 1985,  » We Are the World « , qui rassemblait une constellation de stars de la pop et du rock, dont Bob Dylan, Michael Jackson et Bruce Springsteen, pour collecter des fonds pour lutter contre la famine en Afrique.

L’ampleur de l’activisme de Belafonte était étonnante. Il considérait le mouvement des droits civiques comme une lutte mondiale. Il a mené une campagne contre l’apartheid en Afrique du Sud et s’est lié d’amitié avec Nelson Mandela. Il a mobilisé le soutien à la lutte contre le VIH/sida et est devenu ambassadeur itinérant de l’UNICEF . Il a également eu l’idée d’enregistrer la chanson à succès de 1985,  » We Are the World « , qui rassemblait une constellation de stars de la pop et du rock, dont Bob Dylan, Michael Jackson et Bruce Springsteen, pour collecter des fonds pour lutter contre la famine en Afrique.

Il a également noué une amitié avec Martin lutter King et se rendait souvent à New York pour collecter des fonds pour le mouvement et rencontrer des conseillers clés.

La relation de Belafonte avec King s’avérerait cruciale. Belafonte avait un pouvoir de star, des relations et, plus important encore, une volonté de tout risquer pour aider le mouvement des droits civiques. Il a collecté des fonds pour la Southern Christian Leadership Conference, l’organisation que King a cofondée et dirigée. Il a également aidé à renflouer des militants qui avaient été emprisonnés lors de campagnes pour les droits civiques et a aidé à organiser la marche de 1963 sur Washington.

Il a également reçu un Kennedy Center Honor en 1989, la National Medal of Arts en 1994 et un Grammy Lifetime Achievement Award en 2000. Il est également devenu un mentor pour d’autres artistes, tout comme Robeson l’avait inspiré des années auparavant. Il

n’a jamais perdu son cœur rebelle. Doté d’apparence, de richesse et de renommée, il aurait pu se contenter d’être le roi de Calypso. Mais il a fait un autre choix. Il a fait ses plus grandes contributions hors scène.

Il laisse dans le deuil son épouse Pamela, ses enfants Adrienne Belafonte Biesemeyer, Shari Belafonte, Gina Belafonte, David Belafonte, deux beaux-enfants Sarah Frank et Lindsey Frank et huit petits-enfants.

Après avoir échoué à une audition pour devenir chanteur des Brand New Heavies, Jason Kay décide de monter son propre groupe. En écoutant la cassette qu’il a envoyée, le directeur de la maison de production s’attend alors à rencontrer par la suite une femme noire à cause de sa voix particulière laissant deviner plutôt une chanteuse afro-jazz. Le premier single de Jamiroquai, « When You Gonna Learn? » sort en 1992 sur le label Orenda. Il obtient un petit succès au Royaume-Uni permettant au groupe de signer un contrat de huit albums avec Sony (aujourd’hui « Sony Music Entertainment »). Le premier, intitulé « Emergency on Planet Earth », sort au début de l’été 1993, et remporte d’emblée un grand succès, se classant en Angleterre et contenant plusieurs hits (dont le Top 10 Too young to die). Le deuxième album, « The Return of the Space Cowboy », arrive fin 1994 et connaît également le succès.

En 1996, avec la sortie du troisième album « Travelling Without Moving », Jamiroquai devient mondialement connu grâce à trois tubes « Virtual Insanity », « Cosmic Girl » et « Alright ». Le groupe fait un carton sur le marché du disque américain : aux « MTV Video Music Awards » de 1997, le clip vidéo de « Virtual Insanity » remporte quatre récompenses (meilleure vidéo, meilleurs effets spéciaux, meilleure mise en scène et prix de l’innovation vidéo).

« Deeper Underground », nouveau tube international sorti l’année suivante, est intégré à la bande originale du film Godzilla (1998). La chanson « Canned Heat » figure aussi sur les bandes originales des films « Center Stage » (2000) et « Napoleon Dynamite » (2004).

Le style acid jazz des trois premiers albums demeure sur le quatrième, « Synkronized » (1999), mais les goûts de Jay Kay se tournent vers du disco teinté de funk et de musique électronique, avec notamment « Supersonic » et « Destitute Illusions ». Ce nouvel album marquera un changement dans le groupe puisque le bassiste Stuart Zender décide de quitter la formation. Pour des raisons de droits d’auteurs entre Zender et le groupe, Synkronized, initialement appelé Symphonized (dont l’origine du nom reste inconnue mais supposé inventé par des fans), initialement terminé en 1998, a dû être réécrit intégralement.

En 2000, le groupe écrit la chanson Everybody’s Going to the Moon pour la bande originale du film d’animation québécois Titan A.E..

Cette nouvelle orientation favorise les succès commerciaux. Avec leur cinquième album « A Funk Odyssey » (2001), les influences disco deviennent une évidence. Le deuxième titre de cet album « Little L » connaît le succès dans le monde entier. Le 29 avril 2002, Toby Smith, claviériste et principal compositeur du groupe depuis 1992, quitte Jamiroquai.

L’album Dynamite sort le 20 juin 2005|en musique. Classé troisième du hit-parade britannique, il atteint également le Top 5 un peu partout dans le monde, même si l’on peut noter, finalement, un moindre impact dans les classements et une amorce de déclin au niveau des ventes. Cet album est un des plus diversifiés de Jamiroquai. On peut aussi bien y trouver des morceaux dans le plus pur style disco (« ), que des chansons aux racines jazz (Talullah). Le premier single « Feels Just Like It Should » sort en 2005 et le second « Seven Days In Sunny June » au mois d’août qui fait partie de la B.O du film Le Diable s’habille en Prada.

Début 2006, Jason Kay se dit amer d’être resté aussi longtemps avec sa maison de disques « Sony BMG Music ». Dans une interview avec le « Sydney Morning Herald », il déclare : « De nos jours, c’est 18 % de musique et 82 % de ce marketing à la con. La prochaine fois que je fais un album, je le mets sur Internet pour . » Il lance aussi une remarque sur la compilation « Greatest Hits » qui est purement une obligation contractuelle : « En 2006, nous sortons de cette putain d’image. Prenez votre «  »Greatest Hits » » et collez-le vous où je pense ». Ses différents commentaires dans une interview du « Sun » (« Il est temps de penser à autre chose. Je désire faire ma vie… Je veux la paix, la tranquillité et rencontrer une fille charmante puis avoir plein d’enfants. ») font courir la rumeur qu’il compte se retirer après « ‘The Dynamite Tour’ ».

En , Jamiroquai annonce son partenariat avec la maison de disques « Columbia Records », label affilié à « Sony Music Entertainment ». , le groupe annonce officiellement la sortie de son album « Greatest Hits High Times 1992-2006 » qui paraît en fin d’année, atteignant la au Royaume-Uni et le Top 20 dans de nombreux pays. Cet album contient deux nouvelles chansons, « Runaway » et « Radio ». La sortie de ce septième album marque la fin du contrat entre Jason Kay et « Sony BMG Music ». Dans « Runaway », le chanteur s’adresse d’ailleurs directement à « Sony BMG Music », comme l’explique la théorie de SL, plus tard confirmée par Jay Kay lors d’une interview au célèbre magazine anglais « Blues and Soul » daté du 8 novembre 2006.

Au fil des ans, Jamiroquai a influencé de nombreux artistes avec leur mélange unique de genres musicaux. Le groupe est également connu pour son engagement en faveur de l’environnement et de la protection de la planète, ainsi que pour son utilisation de la technologie solaire dans leur studio d’enregistrement.
Depuis 2019, Jamiroquai a été relativement discret en termes de sorties musicales. Leur dernier album studio, « Automaton », est sorti en 2017. Cependant, le groupe a effectué une tournée mondiale en 2018 et 2019, avec des dates en Europe, en Amérique du Sud et en Asie]. Depuis, il n’y a pas eu d’annonces officielles concernant de nouveaux projets de la part de Jamiroquai.

https://www.youtube.com/watch?v=4JkIs37a2JEhttps://www.youtube.com/watch?v=mXmHVpf27KE

Imaginez naître dans une famille pauvre d’un quartier mal famé de Kingston, dans la Jamaïque du début des années 50. Et imaginez en plus de ça, être atteint par ce que l’on appelle communément la polio. Voilà les conditions du début de la vie des trois membres d’Israel Vibration. Les trois gaillard à l’origine de cette formation, Cecil « Skelly » Spence, Albert « Apple » Craig et Lacelle « Wiss » Bulgin se sont en effet rencontrés tout enfant dans l’hospice spécialisé dédiés aux soins pour enfants malades, confiés par les famille vivant dans le dénuement le plus grand.

Survivant à la sortie de l’adolescence de petits boulots que l’on trouvait par grappes entières sur les trottoirs du downtown market de Kingston, les trois compères, toujours sur la même longueur d’onde, chantent souvent après leur travail et acquièrent vite une petite reconnaissance locale. Malheureux dans leur recherche de producteur, ils finissent par trouver sur leur route un membres des Douze tribus d’Israel, une des branches du mouvement Rasta, qui se propose de financer leur premier 45 tours Why Worry en 1976. C’est ainsi que naquit Israel Vibration en tant que groupe. L’alliance improbable de trois éclopés dont personne ne voulait.

Dès lors les événements s’enchaînent vite, et le trio peut se permettre d’arrêter ses activités mercantiles, pour se concentrer à l’écriture de musiques. Rattrapés par le petit monde de la musique en Jamaïque en cette fin de décennie ultra-productive, leur premier album The Same Song, est produit par Tommy Cowan (qui ne se gênera pas pour les escroquer tant qu’il peut). Le succès, local, est au rendez-vous. La formation enregistre ainsi encore cinq albums (dont un live) jusqu’en 1983. C’est à ce moment-là que le groupe se sépare une première fois, alors que ses membres sont à New York pour se faire soigner.

Les tentatives solo des membres du groupe se soldent au mieux par des succès d’estime polis, et un nouveau producteur leur propose en 1988 de se reformer, et de tenter leur chance sur le “marché” européen et américain, qui reste friand de reggae à l’ancienne, dans l’esprit de ce que faisaient Bob Marley & the Wailers. Leur album Strenght of my life en 1988 marque donc le retour du groupe, qui enchaîne concerts, tournées et nouvelles compositions pendant une petite dizaine d’années, jusqu’en 1996 où, peu de temps après la sortie de leur album Free to move, Albert « Apple » Craig quitte le groupe de manière définitive pour tenter une carrière solo.

Israel Vibration devenu duo, mais toujours backé par les formidables Roots Radics – ce qui permet de donner une densité musicale rare -, Skelly et Wiss continuent de faire ce qu’ils savent faire le mieux : vénérer Jah, fumer de la beuh, lire la bible quotidiennement comme le recommande les Douze tribus d’Israel, écrire de la musique et faire des tournées internationales. Ainsi, entre 1998 et 2015, ce ne sont pas moins de dix albums qui sortiront, dont un live. Depuis 2016, le groupe se consacre au live et a mis de côté la partie composition, se permettant enfin de vivre un peu sur leurs acquis, et se reposer.

Le reggae proposé par Israel Vibration est chimiquement pur. Ayant eu la chance, à force de travail et d’obstination (car la chance se provoque aussi), de faire des premières parties de Bob Marley, leur a permis d’obtenir in finé une reconnaissance internationale et de continuer dans cette lignée. Les thématiques habituelles du reggae, matinées de mystique des Douze tribus d’Israël et de la rhétorique rasta, sont toujours évoquées au détour de chaque morceau.

D’ailleurs, la difficulté que les membres du groupe ont pour se déplacer est à l’opposé de leur combativité sur scène ou dans la vie, issue de longues années de souffrances. Pourtant, ce qui caractérise les paroles des morceaux d’Israel Vibration a toujours été la bienveillance et le côté mystique, influence  des Douze tribus oblige. Là où tant d’autres se sont vautrés dans la violence et la victimisation, Israel Vibration, bien que dénonçant dans leurs paroles les difficultés de la vie des pauvres en Jamaïque et partout dans le monde, n’a cessé de porter un message positif et volontariste.

En 2022 le groupe n’a plus réellement d’existence en tant que tel. Un seul des trois compères, Lacelle « Wiss » Bulgin, est toujours en vie. Apple est décédé en 2020, Skelly en août 2022. Pourtant, la musique et l’esprit d’Israel Vibration continuent de se répandre dans le vaste monde. Et sur les ondes de Mouv en ce mois de mars 2023

David Bartoli

https://www.youtube.com/watch?v=AbbLQrUotJchttps://www.youtube.com/watch?v=QX8xp6bUkiE

Dans la longue histoire de la Musique moderne, l’on pourrait citer de nombreux duos de grands producteurs, de différentes époques, dans différents styles. Mais peu ont eu une carrière aussi longue et prolifique que celle de Louis Vega et Kenny Gonzales. Ces deux DJs producteurs new-yorkais, d’ascendance portoricaine, influencent toute la scène house depuis plus de 30 ans.

Dès la fin des années 80, sous le nom de Masters at Work, emprunté à leur ami Todd Terry qui a signé précédemment quelques prods sous cet alias, Little Louis Vega et Kenny Dope Gonzales ont imposé leur marque de fabrique. Leur sens du groove, leur connaissance académique du Funk et des musiques latino-africano-américaines, et l’environnement musical de New York du début des années 90 ont fait du travail en duo ou en solo des Masters at Work une référence absolue de la House.

Connus pour leurs collaborations avec de vrais musiciens, enregistrés en direct, comme ce fut le cas pour leur deuxième album Nuyorican Soul, les Masters at Work ont puisé dans leur héritage musical pour écrire une œuvre globale marquée par le mélange et la chaleur. Hormis quelques productions plus “froides” comme The Ha Dance, hymne fondateur de la scène Ballroom, la musique des Masters at Work est marquée par l’influence moite et enjouée des sonorités afro-caribéenne. Que ce soit en samplant Hector Lavoe (dont Louie Vega est le neveu), ou en reprenant certains titres de Fela (qu’ils adorent et ont grandement contribué à faire redécouvrir), Kenny Dope et Louie Vega ont toujours mis en avant l’héritage des musiques “noires”, marquées par les percussions et les congas en tout genre, de tous les continents. Leur style caractéristique, une fois rapidement décortiqué et ressenti, permet de très rapidement identifier leurs productions.

https://www.youtube.com/watch?v=ahZgbXfbGEchttps://www.youtube.com/watch?v=gEe29BNR2jU

Leur parcours musical, de collaborations prestigieuses avec de nombreux musiciens comme Roy Ayers (encore lui), Jocelyn Brown, Tito Puente et beaucoup d’autres, a démontré une redoutable et constante efficacité pour créer de superbes morceaux, en plus des remix ou édit dont Kenny Dope s’est fait une spécialité. Une des collaborations les plus fructueuses des MAW, l’acronyme le plus usité pour parler d’eux, a été avec India, ex-épouse de Louie Vega, dont l’incroyable voix puissante (quoique parfois un peu “too much”) a sublimé de nombreux opus. Parmi ceux-ci l’ont peut citer l’hymne féministe Runaway, mais aussi I can’t get no sleep, et surtout Love & Happiness, produit par River Ocean, un autre alias de Louie Vega, avec ses percussions folles, et son début intégralement pompé sur le Aguanile de Hector Lavoe, véritable hymne à Yemaya et Ogun, divinités yorubas importées d’Afrique dans toute l’amérique avec les esclaves pris dans les contrées du Golfe de Guinée.

https://www.youtube.com/watch?v=Avk-SPGLqM8https://www.youtube.com/watch?v=ay89SX8fuqo

un classique house du début des 2000 où Louie Vega, avec Julie McKnight, répond subtilement au Gypsy Woman de Crystal Waters

Kenny Dope, comme Louie Vega, ont aussi fait quelques incursions plus pop et disco, notamment avec le single The bomb de The Bucketheads (alias), dont les notes de trompette, et l’accroche “this sound fall into my mind”, puisées dans le Street player du groupe Chicago, a depuis été repris pas beaucoup, et demeure un des plus grands classiques house des 90s.

https://www.youtube.com/watch?v=no1vf854aUchttps://www.youtube.com/watch?v=HJMw8cUGjwI

La production des Masters at Work est bien trop pléthorique pour être intégralement citée dans un seul article. Les productions et remix, faits en nom propre par le duo, ou en solo, avec leurs très nombreux alias, se retrouvent un peu partout dans des sorties ou compilations depuis 30 ans. Être exhaustif avec de tels producteurs nécessite une attention particulière que peu de journalistes se sont risqués à tenter. Même Discogs peine à recenser toutes leurs productions.

Voir les Masters at Work, qui jouent rarement ensemble, ou les voir en solo, est la garantie d’écouter une sélection impeccable, imparable, dans la plus belle des traditions de la house new yorkaise, et par extension, universelle.

✍ David Bartoli

Roy Ayers fait partie de ces musiciens qui se situent entre les mondes du jazz et du R&B, ce qui signifie qu’il a souvent été facile pour les critiques de jazz de l’ignorer. Le regretté Richard Cook, dans son Encyclopédie du jazz habituellement fiable , le dédaigne avec mépris comme « l’exemple suprême d’un talent mineur qui a réussi bien au-delà de ses moyens relativement modestes ». Il n’a jamais été un joueur de vibes aussi flamboyant ou inventif que, disons, Lionel Hampton ou Gary Burton – son talent était en tant que chef d’orchestre et vulgarisateur, quelqu’un qui a pu se lancer dans le R&B plus confortablement que la plupart de ses pairs de jazz.

Un bon nombre de jazzmen de son époque se sont lancés dans le funk, mais Ayers était l’un des rares à pouvoir suivre les changements alors que le funk se transformait en disco. Cela signifie que son canon a une qualité intemporelle : il est devenu l’un des artistes les plus samplés au monde, sa musique résonnant avec des générations de fans de hip-hop ; un héros perpétuel pour chaque génération qui redécouvre le jazz

Tous ceux qui veulent travailler avec Ayers – il est cette chose rare, après tout : une légende vivante qui continue à faire de la musique. Ces dernières années, il a collaboré avec tout le monde, de Pete Rock à The Roots , Robert Glasper et Guru. Les années 2000 l’ont vu barboter dans la house, avec des gens comme Kerri Chandler et Masters At Work . Et jamais du genre à manquer une astuce culturellement pertinente, Ayers travaille toujours avec de nouveaux artistes – écoutez sa place sur Tyler, le tout nouveau morceau Find Your Wings de The Creator.

Nul autre qu’Erykah Badu ne l’appelait le « roi de la néo-soul » Ayers n’a jamais été un puriste. Il a navigué avec aplomb entre les mondes du jazz, du funk, du hip-hop et du R’n’B. Cette fluidité musicale a fait de lui une icône pour les musiciens sortant de Philadelphie au milieu des années 90. Son approche ouverte d’esprit les a encouragés à choisir parmi les genres avec un abandon insouciant. De The Roots à Jill Scott, tout le monde s’empressait de le citer comme source d’inspiration. Et Erykah Badu l’a couronné comme « le roi ».

Il a réussi l’impossible en rendant le vibraphone cool… Cet instrument massif se situe quelque part entre un xylophone surdimensionné et un glockenspiel avec des flûtes de pan supplémentaires. Vous pouvez entendre ses sons de soleil incomparables partout dans les hits signature d’Ayers. La légende raconte que le célèbre percussionniste de jazz Lionel Hampton a remis à Ayers son premier jeu de baguettes de vibraphone lorsqu’il est allé le voir en concert à l’âge de cinq ans. A partir de ce moment, le destin d’Ayers était scellé.

https://www.youtube.com/watch?v=IO_599OZsYI&t=37shttps://www.youtube.com/watch?v=CghK8iVUHBs&t=363s

Bien qu’ils atteindraient le courant dominant de la culture pop mondiale en tant que futuristes psychédéliques pleinement formés, la vie enregistrée d’OutKast a commencé avec un sentiment d’eux en tant que suiveurs, même s’il y avait des indices qu’ils deviendraient des leaders. Leur premier album, Southernplayalisticadillacmuzik, contenait plus que la moyenne d’individualité et d’iconoclasme pour son époque, mais la sortie de 1994 a trouvé André 3000 et Big Boi portant encore fièrement quelques influences sur leurs manches.

Cela convient au statut de l’album en tant que travail de deux lycéens qui n’en revenaient pas tout à fait de leur chance – une rencontre fortuite avec l’équipe de production de Organized Noize et une session de rap impromptue devant la voiture de Rico Wade, le duo faisant du freestyle sur l’instrumental de A Tribe Called Quest’s Scenario, a conduit à une apparition sur un remix d’un single par des stars locales TLC. Cela a à son tour présenté OutKast au label LaFace d’Atlanta et leur a valu leur contrat. Au moment où ils se sont penchés sur leur premier LP, le duo se sentait suffisamment différent de ses camarades de classe pour porter le nom d’OutKast comme un insigne d’honneur, mais ils étaient toujours sous l’emprise des styles et des sons de l’époque. 

En 1994, Outkast sort son premier album, Southernplayalisticadillacmuzik . Succès critique et commercial, il met en lumière l’originalité et le penchant du duo pour les crochets accrocheurs. ATLiens (1996), leur suite, présentait le tube « Ascenseurs (moi et toi) » et s’est vendu à 1,5 million d’exemplaires.

Le troisième effort d’Outkast, le double platine Aquemini (1998), employait plus d’instruments live et a remporté une nomination aux Grammy Awards pour le single « Rosa Parks ». Au fur et à mesure qu’Outkast approfondissait la sophistication de leurs paroles souvent inspirantes et élargissait leur éclectisme musical, ils n’ont jamais perdu leur sens de l’humour unique. L’image du groupe est devenue une signature, notamment les plus flamboyantsgarde-robe de Dré (rebaptisé André 3000), et leur théâtralité et leurs vidéoclips stylés sont devenus la marque de fabrique d’Outkast.

Bien avant que les stars Dr. Dre, Eminem, Snoop, Kendrick et Mary J. Blige ne soient recrutées pour se produire au Super Bowl, Outkast a presque mis le hip-hop au premier plan lors de son illustre spectacle de mi-temps de 2004. Suivant les traces de Queen Latifah et Nelly qui se sont produites respectivement aux Super Bowls de 1998 et 2001, ‘Kast est presque entré dans les livres en tant que premier duo de rap à honorer la scène NFL. 

Le groupe a réédité Stankonia , qui présentait du matériel inédit, pour commémorer le 20e anniversaire de l’album en 2020.

https://youtu.be/PWgvGjAhvIwhttps://youtu.be/-JfEJq56IwI

Patricia Lee Smith est une auteure-compositrice-interprète, poétesse et artiste visuelle américaine née en 1946 à Chicago, dans l’Illinois.

Elle est devenue influente dans le mouvement punk rock de New York avec son premier album chef-d’œuvre de 1975 Horses avec Lenny Kaye à la guitare et produit par John Cale. Appelée la poétesse lauréate du punk. Smith fusionne la poésie dans son travail rock/post-punk.

À l’âge de 21 ans, Smith a déménagé à New York où elle a rencontré et noué une relation intense avec le photographe Robert Mapplethorpe. Mapplethorpe était une inspiration artistique importante pour Smith et ils sont restés amis pour la vie jusqu’à la mort de Mapplethorpe en 1989.

Les photographies d’elle de Mapplethorpe sont devenues les couvertures des albums du Patti Smith Group. Smith a fréquenté les clubs CBGB de New York et Max’s Kansas City, et a parlé de la scène rock punk new-wave en plein essor.

En 1974, Patti Smith jouait de la musique rock, d’abord avec le guitariste, bassiste et archiviste rock Lenny Kaye et plus tard avec un groupe complet comprenant Kaye (guitare), Ivan Kral (guitare, basse)1 Jay Dee Daugherty (batterie) et Richard Sohlon (piano).

En 1980, Smith a épousé Fred Sonic Smith, ancien guitariste du groupe de rock de Detroit MC5, décédé en 1995. Le fils de Fred et Patti a épousé la batteuse des White Stripes, Meg White. Les albums exceptionnels de Patti Smith incluent Horses, Radio Ethiopia, Easter, Wave, Gone Again et Trampin ‘.

La compilation de 2002 Land (1975-2002) est une excellente collection de morceaux d’album, de extraits, de morceaux live et d’autres morceaux inédits. Smith continue d’enregistrer et de jouer et est l’auteur de nombreux livres, dont de la poésie et des œuvres semi-autobiographiques.

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L’ensemble de l’œuvre de Curtis Mayfield constitue un genre musical à part entière. Au cours d’une carrière de cinq décennies, Mayfield a innové une forme hybride de musique soul spirituelle et laïque, une forme qui parlait de l’idéalisme démocratique et de l’aspiration des fantassins des mouvements des droits civiques et du Black Power dans les années 60, et de la ambitions matérialistes mobilisées vers le haut des années 70 post-révolutionnaires.

Né dans le Chicago des années 1940, Mayfield a commencé sa carrière en tant qu’harmoniseur de gospel pour adolescents avec les chanteurs de Northern Jubilee avant de rencontrer son camarade Jerry Butler et de se lier à son groupe The Impressions. Après deux ballades à succès, Butler est parti pour poursuivre une carrière solo.

Prenant la relève en tant que nouveau ténor principal et auteur-compositeur en chef du groupe, Mayfield a dirigé le groupe vers une multitude de ballades classiques : « Amen », « It’s All Right » et « Gypsy Woman ». Le groupe deviendrait cependant bien connu pour une série de chansons alignées sur les progrès et la détermination du mouvement des droits civiques, y compris  » People Get Ready « , adopté par Martin Luther King Jr. comme l’hymne non officiel du mouvement. (Une interprétation contemporaine de « People Get Ready » peut être trouvée sur l’EP qui vient de sortir de The Undefeated, I Can’t Breathe/Music for the Movement .)

Quelques semaines après la sortie originale de la chanson, King, sa cohorte de la Southern Christian Leadership Conference et les actions intrépides des Freedom Riders avaient poussé le président Lyndon Johnson à signer la loi sur les droits civils en 1964, suivie moins d’un an par la loi sur les droits de vote.

Une chanson précédente de The Impressions, « Keep on Pushing », avait été reprise par le jeune groupe Freedom Riders pour les préparer à leur travail non violent mais conflictuel déségrégeant les restaurants et les lignes de bus du Sud et enseignant l’alphabétisation pour le droit de vote aux Noirs ruraux du Sud.

Les sermons et discours de King parlaient d’un mouvement motivé par un appel plus élevé contre les forces racistes impénitentes dans leur perpétuation de l’anti-Blackness.

https://youtu.be/zGOeH4LWp-U